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Llega la primavera!!!

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ATRAPASUEÑOS

" LEYENDA DEL ATRAPASUEÑOS "

Hace mucho tiempo cuando el mundo era joven, un viejo líder espiritual Lakota estaba en una montaña alta y tuvo una visión. En esta visión Iktomi, el gran maestro bromista de la sabiduría apareció en la forma de una araña. Iktomi le hablo en un lenguaje sagrado, que solo los líderes espirituales de los Lakotas podían entender.Mientras le hablaba, la araña tomo un aro de sauce, el de mayor edad, también tenia plumas, pelo de caballo, cuentas y ofrendas y empezó a tejer una telaraña. Entonces habla con el anciano acerca de los círculos de la vida, de como empezamos la vida como bebes y crecemos a la niñez y después a la edad adulta, finalmente vamos a la ancianidad, donde nosotros debemos ser cuidados como cuando éramos bebes completando el circulo.
Pero Iktomi dijo mientras continuaba tejiendo su red, en cada tiempo de la vida hay muchas fuerzas, algunas buenas otras malas, si te encuentras en las buenas fuerzas ellas te guiaran en la dirección correcta. Pero si tu escuchas a las fuerzas malas, ellas te lastimaran y te guiaran en la dirección equivocada.Hay muchas fuerzas y diferentes direcciones y pueden ayudar a interferir con la armonía de la naturaleza. También con el gran espíritu y sus maravillosas enseñanzas.Mientras la araña hablaba continuaba entretejiendo su telaraña, empezando de afuera y trabajando hacia el centro.Cuando Iktomi termino de hablar, le dio al anciano Lakota, la red y le dijo: ve la telaraña es un circulo perfecto, pero en el centro hay un agujero, usa la telaraña para ayudarte a ti mismo y a tu gente, para alcanzar tus metas y hacer buen uso de las ideas de la gente, sueños y visiones.
Si tu crees en el gran espíritu, la telaraña atrapara tus buenas ideas y las malas se irán por el agujero.
El anciano Lakota, le pasó su visión a su gente y ahora los indios Siux usan el atrapasueños como la red de su vida.
Este se cuelga arriba de sus camas, en su casa para escudriñar sus sueños y visiones.
Lo bueno de sus sueños es capturado en la telaraña de vida y enviado con ellos, lo malo de sus sueños escapa a través del agujero en el centro de la red y no será más parte de ella.

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porta lapices/pinceles.. etc.

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IMPRESIONISMO

Movimiento pictórico francés de finales del siglo XIX. El movimiento impresionista se considera el punto de partida del arte contemporáneo.

El impresionismo en pintura partió del desacuerdo con los temas clásicos y con las encorsetadas fórmulas artísticas preconizadas por la Academia Francesa de Bellas Artes. La Academia fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales del Salón parisino.

Los impresionistas, en cambio, escogieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana. Su primer objetivo fue conseguir una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos. Las figuras principales del movimiento fueron: Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pisarro, Auguste Renoir y Alfred Sisley.

Los impresionistas se preocuparon más por captar la incidencia de la luz sobre el objeto que por la exacta representación de sus formas, debido a que la luz tiende a difuminar los contornos y refleja los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra. Los pintores académicos definían las formas mediante una gradación tonal, utilizando el negro y el marrón para las sombras. Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los colores primarios —cyan, magenta y amarillo— y los complementarios —naranja, verde y violeta—. Consiguieron ofrecer una ilusión de realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas, que mezcladas por la retina del observador desde una distancia óptima aumentaban la luminosidad mediante el contraste de un color primario (como el magenta) con su complementario (verde). De este modo, los impresionistas lograron una mayor brillantez en sus pinturas que la que se produce normalmente al mezclar los pigmentos antes de aplicarlos.

Historia

Aunque los hallazgos del impresionismo francés resultaron decisivos para la pintura del siglo XX, los intentos por plasmar los efectos de la luz natural no eran nuevos. En el siglo XVII Jan Vermeer había utilizado fuertes contrastes de luces y sombras para bañar sus lienzos de luz natural. Diego Velázquez en el mismo siglo y Francisco de Goya a finales del siglo XVIII captaron la impresión lumínica mediante la eliminación de sombras secundarias y la introducción de zonas de luz en detrimento de la nitidez de los contornos. Su pincelada también preludió la de los impresionistas franceses.Los precursores inmediatos del impresionismo fueron los ingleses John Constable y J.M.W. Turner. Cuando Monet y Pissarro vieron por primera vez sus obras en 1871 se sintieron conmovidos por la atmósfera y los efectos difusos de luz característicos de la pintura de Turner. Los pintores de la Escuela de Barbizon fueron también antecedentes del movimiento impresionista francés. Treinta años antes de la primera exposición impresionista, Camille Corot, miembro circunstancial de la escuela de Barbizon calificado en ocasiones como padre del impresionismo, interpretaba los fugaces cambios lumínicos en una serie de temas pintados a diferentes horas del día. Eugène Louis Boudin, un pintor preimpresionista, que fue maestro de Monet, enseñó a sus discípulos a expresar un sentimiento de espontaneidad en sus obras, mientras que el realista Gustave Courbet alentó a los impresionistas a buscar su inspiración en la vida cotidiana.
Édouard Manet considerado el primer impresionista —aunque rechazaba este calificativo— mostró cómo se podían obtener sutiles representaciones de luz por la yuxtaposición de colores fuertes y contrastados. Su cuadro La merienda campestre (1863, Museé d’Orsay, París), expuesto en el Salón de los Rechazados (Salon des Refusés) organizado en oposición a las exposiciones oficiales en el Salón de la Academia, señaló el comienzo de una nueva era en el arte. Los pintores impresionistas organizaron su primera exposición independiente en 1874. Los treinta participantes compartían su rechazo al academicismo imperante y su admiración por las atrevidas composiciones de Manet. El término impresionista fue usado por primera vez por el crítico Leroy en la revista Charivari para denominar irónicamente un cuadro de Claude Monet titulado Impresión, amanecer (1872, Museo Marmottan, París). El término fue adoptado oficialmente durante la tercera exposición impresionista en 1877. Los impresionistas fueron apoyados por notables miembros de la sociedad francesa, como los literatos Émile Zola y Charles Baudelaire, el pintor-coleccionista Gustave Caillebotte, y el marchante de arte Paul Durand-Ruel. Sin embargo la prensa y el público, acostumbrados al convencional estilo académico, se mostraron hostiles hacia el nuevo arte.
Los impresionistas evolucionaron hacia distintos estilos individuales y compartieron como grupo sus experimentos sobre el color. Sólo Monet fue ortodoxo en la aplicación de la teoría impresionista. Pintó varias series —la catedral de Ruán, la estación de Saint-Lazare, los álamos— en diferentes horas del día y estaciones del año. Pissarro utilizó una paleta más delicada y también se concentró en los efectos de luz sobre las formas. Sisley, aunque muy influido por Monet, conservó una sutileza propia. Degas, que no fue un impresionista ortodoxo, captó la fugacidad del movimiento en las escenas de ballet y de caballos, a menudo representadas con la técnica del pastel. Los sutiles paisajes de Morisot se destacan por la intensa pincelada más que por la precisión lumínica.
El impresionismo francés influyó en artistas de todo el mundo. Los más significativos fueron el estadounidense James Abbott McNeill Whistler, cuyos nocturnos (1877) plasman efectos de incendios o luces brillando a través de la niebla, Childe Hassam, Winslow Homer y el inglés Walter Sickert, el italiano Giovanni Segantini y el español Joaquín Sorolla.
El impresionismo ejerció una fuerte influencia durante décadas. Artistas que partieron del impresionismo idearon otras técnicas e iniciaron nuevos movimientos artísticos. Los pintores franceses Georges Seurat y Paul Signac ejecutaron lienzos a base de pequeños puntos de color, aplicando una derivación científica de la teoría impresionista conocida como puntillismo o divisionismo. Los postimpresionistas Paul Cézanne, Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin y Vincent van Gogh estuvieron muy influidos por la vivacidad del colorido impresionista. La obra de Cézanne anticipó el cubismo, mientras que la de Gauguin y Van Gogh representaron el comienzo del expresionismo.

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LA PINTURA DACTILAR:
El niño quiere expresarse y uno de los medios empleados por él, es la pintura, en esta actividad el niño da riendas sueltas a su creatividad. Para la realización de la pintura dactilar es recomendable que el niño use toda la mano y la realización de diversos movimientos, mediante el uso de la pintura dactilar se logran muchas formas y líneas.

las mas grandes con tinta china

ARTETERAPIA

Que es arte-terapia?

El Arteterapia es una disciplina que utiliza el arte como medio de comunicación, para brindarle a cualquier persona canales expresivos y creativos que fortalezcan su desarrollo personal y social.
Desde hace más de 50 años el método de trabajo que se emplea en países como EU, Canadá, Europa, y recientemente en América Latina, es la aplicación de distintos medios plásticos que sirven de herramientas para que las personas aprendan a enfrentar sus problemas desarrollando habilidades, y recursos para afrontarlos.
Lograr manifestar nuestros pensamientos y sentimientos a partir de palabras no siempre es fácil y las imágenes, nos ofrecen un mundo de posibilidades expresivas. Es por ello que la terapia artística no esta dirigida exclusivamente a personas con capacidades artísticas, sino a cualquier persona que tenga la necesidad de expresarse.

El espíritu, la mente y el cuerpo son uno, y una imagen artística que proviene del espíritu es vista por la mente y afecta el cuerpo. Desde esa visión nos auto curamos con el arte.
Cuando experimentamos el arte, los mecanismos de auto curación de nuestros cuerpos son activados para que logren su máxima actividad. El proceso de hacer arte cambia profundamente el estado espiritual y de esa manera ayuda, por ejemplo, al sistema inmunológico a combatir las células cancerosas. Al realizar arte, el sistema inmunológico se libera y se potencia su funcionamiento. Cambia la actitud, mejora la calidad de vida y las posibilidades de vencer la enfermedad.
En primer lugar, la parte derecha del cerebro, el hogar de las imágenes, envía mensajes a las zonas inferiores del cerebro que se conectan con el hipotálamo. Las imágenes artísticas, el movimiento de la música y el baile se alojan inicialmente en zonas que son responsables del pensamiento y de iniciar el movimiento muscular. Las descargas de las neuronas provienen tanto de la realización del arte o el movimiento, como del recuerdo del arte o de movimiento. La manera en que la gente sienta esto es que los pensamientos, las ideas o una imagen artística o la realización de un movimiento llegan de la imaginación de la memoria.
Dado que el arte, la música y el baile son tan antiguos e implican tantas vías sensoras y motoras, tanto la imaginación como la memoria del arte, la música y el movimiento parecen completamente reales e intensas al ponerse en contacto con ellas.
Como funciona el proceso fisiológico?

Las imágenes activadas en el lado derecho del cerebro activan el hipotálamo. El hipotálamo activa el sistema autónomo y como resultado se produce el despertar o la relajación de un sistema de doble equilibrio que impacta sobre todo el cuerpo, implicando prácticamente a todas las células. El sistema nervios autónomo es un sistema curativo que equilibra y mantiene el flujo sanquíneo, el pulso cardíaco, el ritmo respiratorio y el nivel hormonal necesario para cualquier actividad que estemos realizando. Se creía que el sistema funcionaba solo, pero ahora se sabe que está profundamente influido por los pensamientos.
La estimulación de la rama parasimpática del sistema nervioso autónomo tiene como resultado la relajación, la curación, la reparación corporal y el mantenimiento preventivo.
Como cura el arte?

El arte cura y trabaja en tres campos de nuestro ser, cuerpo, mente y espíritu.
Muy dentro de nosotros hay profundos espacios, las regiones más lejanas del alma. Al viajar, hacia dentro, podemos vislumbrar mundos, sentirlos, vivir en ellos. Y sólo con el arte podemos traer de vuelta, con nosotros, las huellas llenas de recuerdos, traer su espíritu.
Cuando decimos arte, nos referimos a todo arte, la pintura, la escultura, la narración de historias, la poesía, la música, la danza, el arte escénico. El arte es la voz de la fuerza vital, de la expansión, del amor que hay dentro de nosotros.
El arte es la voz del espíritu. Y cuando el espíritu se libera, cuando se ve el espíritu, se lo oye, se libera el sanador interior.
Al hablar de cura, al experimentar la curación, lo que se siente es energía. Cuando hablamos de una resonancia del cuerpo, la mente y el espíritu, nos referimos a la liberación de energía. Tal vez la metáfora más simple para expresar el modo en que el arte cura, sea decir que hace fluir nuestra energía curativa.

JUGAR A SER ARTISTAS:
Todo juego tiene sus reglas y en el arte tambien las hay:
* Igualdad: No hay diferencias significativas entre participantes e instructores al momento de crear. Se refiere a la “sensación” de vértigo que provoca la hoja , la partitura ,la tela en blanco. En esos momentos la única diferencia está dada por la mayor experiencia del maestro.
*Respeto: Define el espacio espiritual en donde se trabajará a partir del contenido: la creación no discrimina entre niños o adultos, no discrimina entre arte, ciencia u otra manifestación del ser humano, no discrimina entre individuos o grupos, ni entre sexos o razas. La creación no discrimina.
*Humor: Para tomar distancia de las creencias y preconceptos, trabajamos el sentido de la vista, el oído, el tacto, el gusto, el olfato y el humor.”El humor es un sentimiento de distancia” afirmaba el gran maestro del teatro, B. Brech.
*Responsabilidad: Un niño tiene necesidad de amor, de seguridad, de autoestima y de manifestarse. Un niño seguro es feliz; si es feliz es un adulto seguro. Un adulto seguro es responsable y una sociedad responsable es la suma de individuos responsables. Es así que el maestro “debe crear” un espacio para que el niño elabore su creatividad en expansión, pero con límites . Entendiendo los límites como una forma de contener y no de reprimir.
*Atención: Sostenemos que la atención es el estado más propicio para la creación que la concentración. La atención permanece abierta, en estado de alerta y expansión; la concentración, en cambio, tiende al aislamiento.

El taller de arte tiene como objetivo estimular en los chicos su innata capacidad creativa, y sumar así, una herramienta más para enfrentar posibles dilemas en el futuro, encontrar soluciones y tomar decisiones.

Al practicar actividades artísticas, los niños y adolescentes experimentan con diversos materiales, descubriendo sus posibilidades de expresión y las múltiples combinaciones que estos ofrecen.

CUANDO UN NIÑO ES ESTIMULADO DESDE EL ARTE:

*Ve la forma como un medio de expresarse.
*Piensa en colores.
*Piensa espacialmente.
*Supera el pensamiento lineal.
*Piensa en imágenes.
*Aplica la inteligencia del arte a la solución de problemas.
*Establece relaciones temporales.
*Identifica problemas.
*Establece jerarquías.
*Define problemas.
*Soluciona problemas.
*Ordena secuencias y relaciones.
*Establece relaciones espaciales.